踏入展厅，首先迎接她的是一片仿天青色的光晕，投射在深色的地面上，仿佛暗示着宋代瓷器那举世闻名的色彩美学。展厅内部设计延续了含蓄雅致的风格，灯光聚焦于展品本身，环境光极暗，有效地将观众的注意力从周围现代环境中剥离，投入那个遥远的时代。

展览并非按年代机械排列，而是围绕宋代士人生活的几个核心场景展开：书房、茶寮、园林、燕居。每个单元都以一两件核心器物或画作为视觉中心，辅以相关文物、详实的图文说明、以及精心设计的场景复原片段（微缩模型或多媒体投影）。

第一单元：书房清趣。

核心展品是一幅南宋佚名《槐荫消夏图》 的高清复制放大图（真迹藏于故宫，此为数字化输出），以及一套出土的宋代石雕文房用具（笔山、砚台、镇纸、水丞）。画中士人袒胸仰卧于槐荫下的榻上，意态逍遥，背景是简洁的书架和几案。实物石雕则粗犷古朴，带着土沁。

艾雅琳几乎趴在玻璃柜前，仔细观看那些石雕的每一个细节。真实的石头质感，雕琢的刀痕，岁月的侵蚀痕迹，与昨晚屏幕上光洁温润的道具截然不同。这种“粗粝的真实感”反而更有力量。她对照着旁边的线描结构图和解说，理解了笔山为什么是那个形状（便于搁笔），水丞的孔洞设计有何妙用。

（内心暗语：这就是“实物”的震撼！屏幕上再清晰，也感受不到石头那种沉甸甸的、冰凉的、历经千年仍存的质感。这些看似简陋的石器，是当时文人案头真实可触的伙伴。它们的“不完美”里，有种质朴的、与自然材料直接对话的诚恳。和后世那些精雕细琢的玉质、紫檀文房相比，是另一种美感。）

她拿出素描本，快速勾勒了几件石器的造型轮廓，标注了材质和可能的制作工艺。

第二单元：茶事一味。

这里陈列着几件珍贵的宋代茶器：建窑黑釉兔毫盏、吉州窑木叶贴花盏、定窑白瓷执壶、耀州窑青瓷茶碾。灯光特意营造出一种暖调，打在那些或乌黑莹亮、或青翠如玉、或洁白温润的瓷器上，釉色的微妙变化得以极致呈现。

艾雅琳被那只木叶贴花盏深深吸引。深褐色的盏壁上，一片天然的桑叶脉络清晰可见，仿佛刚刚飘落，被瞬间永恒地封存在釉层之下。她几乎能想象到，当茶汤注入，叶片在荡漾的水光中“复活”的瞬间，该是何等奇妙的视觉享受。解说提到，这种装饰技艺极难把握，成品率极低，体现了宋人将自然天趣与人工匠心完美融合的追求。

（内心暗语：太美了……这种美，不是张扬的、刺激的，而是内敛的、耐人寻味的。需要静下心来，凑近了，在特定的光线下，才能完全领略它的妙处。这就是宋瓷的品格吧？不追求繁复炫技，而在极简的造型和釉色中，追求材质、工艺与自然意象的至高和谐。昨晚剧中那些素雅瓷器，在这里找到了最顶级的实物注解。）

她拍照，并详细记录了展牌上关于窑口、釉色、工艺特点的说明。

第三单元：园林观想。

这个单元以几幅宋画（如郭熙《早春图》局部、刘松年《四景山水图》之秋景）的复制品和解析图为主，配合一些宋代园林构件残件（砖雕、瓦当、柱础）和赏石。通过多媒体投影，在墙面上动态演示了宋代园林“以小见大”、“步移景异”的造园理念。

艾雅琳站在投影前，看着那些虚拟的亭台、曲水、假山、花木如何随着“观者”的移动而组合成不同的画面，理解了什么叫做“画意入园”。那些原本静止的石头、砖瓦残件，在画作和动态演示的语境下，仿佛重新获得了生命和意义。

（内心暗语：园林不是简单的种花植树，而是一种立体的、可游可居的山水画，是文人心中宇宙模型的微缩。这种空间美学，比我之前理解的复杂深刻得多。它关乎哲学观、绘画理论、乃至对时间和空间的独特理解。我的微缩模型创作，如果只是模仿表面形式，就太肤浅了。）

第四单元：燕居雅集。

展示了宋代服饰面料（丝绸残片、提花纹样）、首饰（金钗、玉簪）、乐器（七弦琴模型）、棋具、香具等。最引人注目的是一组根据考古发现和古画复原的宋代士人宴饮场景微缩模型，人物不过寸许，但衣冠、表情、器物、姿态皆栩栩如生。

艾雅琳在这里停留了很久，仔细比较展出的丝绸残片纹样与她昨晚在剧中看到的刺绣差异。实物的纹样更纤细、更写意，色彩因年代久远而褪成柔和的色调，反而有一种难以言喻的高级感。微缩宴饮场景更是让她看得入迷，那些小人或抚琴、或对弈、或观画、或清谈，将“雅集”的风貌生动呈现。

（内心暗语：这就是生活细节中的美学。吃穿用度，娱乐消遣，无一不精，无一不雅。难怪林薇会说古人热衷办雅集是一种美学实践。在这种环境中浸染久了，人的气质恐怕真的会不一样。不过……维持这种‘雅’，估计也挺耗心力的，光是那一身行头的穿戴规矩，就够我学半天。）

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